Imagina La Imagen

"Las etiquetas sobran..."

2012-01-27T10:42:00.000-08:00

"También sabemos que es frecuente que la policía o militares utilicen los vídeos que hay en Youtube para identificar a los enemigos del régimen, sea este el que sea. Si, también hay un software que coteja las caras de los videos con fotos de perfil de Facebook, con un margen de acierto del 30%. Se llama PittPatt, acaba de ser adquirido por Google y da miedito."

Leido en Spottorno.Wordpress

Humor

2012-01-26T14:01:00.000-08:00

El Photochof que se imaginan los clientes (via Jaume Estruch)

Una agencia de publicidad:

Si yo no lo entiendo... que pensará mi madre de todo esto:

Que San Pantone nos asista (via hydrosound):

Subterranean Homesick Blues - Bob Dylan

2012-01-24T14:23:00.000-08:00

Bob Dylan - Subterranean Homesick Blues (1965)

Esta canción fue motivo en 1965 de uno de los primeros vídeos musicales de la historia de la música, en el cual Dylan expone y desecha tacos de tarjetas con distintas palabras y frases de la canción. Durante el episodio, el poeta Allen Ginsberg hace un cameo.

Activar la gestion de color en firefox 3

2012-01-24T13:35:00.000-08:00

Leido en Xataka (con foto):

A falta de tratar la gestión del color y los perfiles de color en nuestro curso, si eres usuario de la nueva versión de Firefox, deberías ir activando la posibilidad de que este navegador sea capaz de gestionar estos perfiles.

Resulta que los navegadores de internet no están preparados para leer toda la gama de colores que utilizamos en nuestras fotografías (siempre y cuando utilicemos un perfil de color adecuado y lo incrustemos a la fotografía), con lo que sin esta opción activada, perdemos la oportunidad de disfrutar de la visión de parte de la gama de colores de las fotos (como puedes ver en la imagen de cabecera). Sin olvidar que si eres un usuario de Safari, este problema lo tienes resuelto desde hace un tiempo…

La manera de activar la gestión de los perfiles de color en Firefox 3 es la siguiente:

Escribe en la barra de navegación lo siguiente: about:config
Apreta la tecla enter, hombre…
Busca una línea de entre las opciones de configuración que te aparecen donde ponga lo siguiente: gfx.colormanagement.enabled (están ordenadas alfabéticamente).
¿Verdad que al lado pone False? Pues haz un doble click. Ahora pondrá True y ya tienes la opción activada.
Reinicia el navegador.

¡Voilá!

"All Quiet on the Western Front"

2012-01-22T17:10:00.000-08:00

Medialab.Prado Festival de Cine

2012-01-16T19:32:00.001-08:00

http://medialab-prado.es/article/cc_mad

Extrait Streetosphere Lisbonne - Camilla Watson

2012-01-16T16:21:00.000-08:00

Extrait Streetosphere Lisbonne - Camilla Watson from Sterenn Films on Vimeo.

The Ninth Floor by Jessica Dimmock

2012-01-14T10:16:00.000-08:00

In an apartment above Fifth Avenue, some thirty young people live in a vortex of drug addiction and despair. In The Ninth Floor, Jessica Dimmock enters this world, exploring, in human terms, what has been lost and what may be recovered. See the project at http://mediastorm.com/publication/the-ninth-floor

"amantes de los animales"

2012-01-13T15:59:00.000-08:00

Earthlings es un documental acerca de como nuestra especie utiliza actualmente a otras especies animales. Para ello se utilizan cámaras ocultas e imágenes del día a día de las prácticas de algunas de las más grandes industrias del mundo que se enriquecen con los animales. El documental está dividido en cinco partes: mascotas, alimentación, pieles, entretenimiento y experimentación. La finalidad del documental es la denuncia de las actividades especistas a las cuales la mayoría de la población está habituada y cuyo tipo de discriminación se ha normalizado hasta la fecha.

Hannah Hoch

2012-01-13T05:48:00.001-08:00

Galería.

Rasterbator

2012-01-11T15:58:00.000-08:00

¿Se acuerdan de la Tyrano Vision en Los Simpsons? Si mal no recuerdo Homero decía “solo veo puntitos que cambian de colores”. La gracia radicaba en que la pantalla era tan, pero tan grande que desde cerca se veía como si pusieramos una lupa en una pantalla y los píxeles eran del tamaño de un foco incandescente.

Las gigantografía logra justamente eso: Agrandar una imagen que desde cerca se ve “como puros puntitos” pero desde lejos puede apreciarse la imagen perfectamente. Esta introducción que varios conozcan y alguno que otro no viene debido a que el otro día visitando a unos familiares en la pieza de los chicos vi una “foto gigante separada en muchas hojas”. Después de la obligada pregunta sobre el programa que utilizaron la respuesta que me dió fue “lo hizo Julia, la chica que cuida los chicos”. Así que como no conocí a Julia me puse a buscar varios programas que hagan este tipo de trabajo y me quedo con Rasterbartor, ahora veamos como funciona:

Primero descargamos el programa y seleccionamos el idioma (No hay español), luego vamos a Browse y buscamos la foto a “agigantar”.

Galería.

Descarga en Pc.

Manufactured Landscapes - Edward Burtynsky

2012-01-10T15:28:00.000-08:00

50 razones para NO salir con un fotógrafo

2012-01-10T08:29:00.000-08:00

1.- Prefieren sostener su pesado equipo fotógrafico a ir de la mano contigo.
2.- En una cita romántica, tú verás la puesta del sol y pensarás “esto es hermoso” mientras ellos preparan la cámara, el trípode y la exposición.
3.- No podrás disfrutar al ver la T.V., una película o incluso una revista sin que ellos señalen los errores visuales.
4.- Les gusta sentarse en cafeterías oscuras para ver de manera vouyerista por largos periodos de tiempo a la gente que pasa.
5.- Si salen a caminar y se encuentran con una “iluminación interesante” te harán sentarte/pararte/posar en público para que puedan tomar una foto.
6.- Nunca podrás disfrutar de comida recién hecha porque se tomarán más de 15 minutos tomando fotografías del platillo con su iPhone.
7.- Se enojan si uno de tus amigos les dice “Me gusta la fotógarfía ¿qué cámara me puedes recomendar? Nada profesioal sólo quiero que tome fotos bonitas.
8.- Esperarás más de lo normal para que terminen de analizar una obra de arte en un museo.
9.- Lo mismo con las tiendas de libros viejos usados.
10.- Cuando crees que te están poniendo toda su atención, en realidad están pensando cómo podrían arreglarte un poco con la herramienta para clonar y la herramienta parche.

11.- O en realidad te están usando para no pasar como pervertidos al ver a la gente a su alrededor.
12.- Prefieren gastar miles de dolares en equipo que comprarte un bolso nuevo.
13.- No puedes tomarte una foto con ellos sin que quieran tomar 5 fotos más.
14.- Cuando les preguntas si te ves gorda, te dirán “no te preocupes, te puedo arreglar con Photoshop”
15.- Si la foto no cumple con sus estandards, no photoshopearán nada que les pidas por sencillo que ésto sea.
16.- ¿La foto que te tomaron ayer? Buena suerte con lograr que te la manden.
17.- Están todo el tiempo en la computadora (y no es viendo porno)
18.- No pueden tener una conversación normal sin mencionar acrónimos y números al azar.
19.- Aún usan cámaras análogas.
20.- Pasan mucho tiempo con personas más interesantes que tú, por ejemplo: modelos, actores, músicos, artistas.

21.- Serán muy meticulosos respecto a la posición de un objeto común, como una taza de café.
22.- No te regresarán la llamada ni el sms, pero puedes apostar a que siguen subiendo sus fotos en instagram.
23.- Les gusta ver películas viejas de las que nunca has escuchado.
24.- En general les gusta ver cosas raras.
25.- Lo único que envidian es tu equipo fotográfico.
26.- Si hay un desastre natural en algún lugar alejado, ya se están subiendo al avión para ir a tomar fotos.
27.- Todo tiene marca de agua.
28.- Creen que las fotos de los demás son malas.
29.- Quieren hacer corrección de color a Crepúsculo y Jersey Shore (o a cualquier telenovela)
30.- Odian los arcoiris, especialmente los que giran.

31.- Siempre que estés con un grupo de amigos y la conversación se torne profunda, ellos empezarán a tomar notas en su libreta tipo Moleskine.
32.- Usan libretas Moleskine aunque sean caras.
33.- Les gusta traspasar en edificios abandonados llenos de peligros para su integridad física.
34.- Siempre quieren mostrarte la foto que acaban de tomar, aunque no les interese para nada si te gusta o no.
35.- Odian la foto de perfil “dizque artística” de tus amigos.
36.- Los días soleados y sin nubes los pone tristes, pero los días nublados aparentemente son geniales.
37.- Te llevarán a lugares con “cultura” así como con posibilidad de ser asaltados.
38.- Tu regalo de cumpleaños será un retrato tuyo que ellos tomaron.
39.- No puedes ir a ningún lugar nuevo sin que se detengan a tomar foto de todo.
40.- Siempre te pedirán que hagas de modelo.

41.- Nada puede ser naturalmente bonito, todo se tiene que arreglar en Photoshop.
42.- Que traigan su cámara significa traer varios kilos de equipo.
43.- Si rompes alguna de sus cosas por accidente, les deberás miles de dolares.
44.- No puedes darles un regalo de cumpleaños/navidad que les guste sin gastar mucho.
45.- Está en su naturaleza coleccionar y guardar todo lo que les inspire, como periódicos viejos, revistas, cajas, etc.
46.- Son raros y geeks.
47.- Tienen discos duros llenos de fotos, pero probablemente sólo tengan 10 impresas.
48.- Secretamente siempre están juzgando tu creatividad.
49.- Si usas tu cámara en modo automático se burlaran de ti.
50.- Se emocionan demasiado cada vez que aprenden una nueva técnica de iluminación.

The Mountain by TSO Photography

2012-01-10T08:23:00.000-08:00

The Mountain from TSO Photography on Vimeo.

Por Terje Sorgjerd.

Harvi Krumpet

2012-01-08T18:14:00.000-08:00

Robert Gober

2012-01-08T13:23:00.000-08:00

Gober was born in Wallingford, Connecticut and studied at Middlebury College,^[1] Vermont and the Tyler School of Art in Rome. He lives and works in New York City and is represented by the Matthew Marks Gallery. He is best known for his sculptures, but also has madephotographs, prints, and drawings and has curated exhibitions, most recently “Heat Waves in a Swamp: The Paintings of Charles Burchfield” at the Hammer Museum in Los Angeles in 2009 (which traveled to the Burchfield Penney Art Center, Buffalo and the Whitney Museum of American Art, New York in 2010). He has had exhibitions of his work in Europe, North America and Japan. One of his most well known series of works of sculptures of sinks.

His work is often related to domestic and familiar objects such as sinks, doors, and legs, and has themes of nature, sexuality, religion, and politics. The sculptures are meticulously handcrafted, even when they appear to just be a re-creation of a common sink.

His work is in many museum collections, including the Whitney Museum of American Art,^[2] The Museum of Modern Art, San Francisco Museum of Modern Art, Solomon R. Guggenheim Museum, the Menil Collection, the Tate Modern and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. He represented the United States at the 2001 Venice Biennale^[3] and has had several one-person museum exhibitions including at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, the Jeu de Paume, Paris, and Dia Art Foundation, New York. His work has also been included in five Whitney Biennials. In 2007 there was a retrospective exhibition of his work at the Schaulager in Basel. The exhibition was accompanied by a comprehensive book of his sculptures entitled Robert Gober. Sculptures and Installations 1979-2007.(ISBN 3865214738)

[edit]

Bruce Nauman

2012-01-08T13:20:00.001-08:00

Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California, Davis. En los años 1980se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres.Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados segun Artfacts.

Louise Bourgeois

2012-01-08T13:14:00.000-08:00

Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger.

En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.

Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Susesculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.

En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.(1991) en 1997 el "Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award, International Sculpture Center, Hamilton, NJ, USA. y la Medalla Nacional de las Artes.

En 2008 le fue entregada la condecoración de la Legión de Honor del gobierno francés.

Bourgeois falleció en Nueva York a los 98 años de edad.¹

Tuvo tres hijos: Alain, Jean Louis y Michel, fallecido en 1990.

Gunter Brus

2012-01-08T12:58:00.000-08:00

http://www.youtube.com/watch?v=I4jMIY4Pwnc

Andres Serrano

2012-01-06T14:50:00.000-08:00

Andres Serrano (born August 15, 1950 in New York City) is an American photographer who has become most notorious through his photos of corpses, as well as his controversial work "Piss Christ", a red-tinged photograph of a crucifix submerged in a glass container of what was purported to be the artist's own urine. Serrano is from a half Honduran, half Afro-Cuban background and was raised a strict Roman Catholic. He studied from 1967 to 1969 at the Brooklyn Museum and Art School, and lives and works in New York. His work has been exhibited in locations as varied and prestigious as the Episcopal Cathedral of Saint John the Divine in New York City and a retrospective at the Barbican Arts Centre in London (2001) and in the Collection Lambert Avignon France (2006). from: http://en.wikipedia.org/wiki/Andres_Serrano

Galeria.
Más.

Gina Pane

2012-01-06T09:21:00.000-08:00

http://www.ina.fr/art-et-culture/musees-et-expositions/video/CPD09004509/portraits-de-femmes-artistes-gina-pane.fr.html

Hans Bellmer

2012-01-06T09:11:00.001-08:00

Hans Bellmer ( Katowice, 1902 - París, 23 de febrero de 1975) fue un autor y fotógrafo surrealista de origen polaco que desarrolló su trabajo en Berlín y más tarde en París debido al nazismo.

Desde 1922 estuvo trabajando en arte y publicidad en Berlín.¹ Cuando los nazis llegaron al poder en Alemania, en 1933, Bellmer decidió no hacer nada que pudiera serles útil. Entonces confeccionó su obra más conocida: la Muñeca. Se trata de una escultura que representa a tamaño casi real (1,40 m.) a una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, que parece una muñeca de niña ampliada, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta. Es un objeto con pretensiones eróticas, una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.

Bellmer es, evidentemente, rechazado por el III Reich, que calificaba a su arte de degenerado, y que veía en él lo que el autor, en efecto, quería: «un intento de provocar a la población para impulsarla a despertar».

Trasladado a París en 1938,¹ fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasmas inconscientees y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo.

Bellmer fue recluído en el Campo de Les Milles, en Provenza hasta 1940.

Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.²

Su trabajo servirá de influencia para artistas posteriores como Cindy Sherman, que trabajará también con muñecas haciendo una referencia a la mujer como objeto.

Fuente: Wiki.

Animated Self Portraits 1989

2012-01-04T16:49:00.000-08:00

HOVIK ★ (EL AMOR MUEVE EL MUNDO) ★

2011-12-28T11:22:00.000-08:00

Visitor Q - Takashi Miike

2011-12-24T08:59:00.000-08:00

The Buffalo Boy's Flute

2011-12-20T17:05:00.000-08:00

Golan Levin

2011-12-18T14:30:00.000-08:00

Opto-Isolator (2007), Interactive Eye Robot from Golan Levin on Vimeo.

Jed Root

2011-12-15T12:40:00.001-08:00

Página con infinidad de fotógrafos, maquilladores, estilistas, ilustradores...
http://www.jedroot.com/

Moon Timelapse

2011-12-15T08:45:00.000-08:00

Robert Rodriguez "Inside Troublemaker Studio"

2011-12-13T14:00:00.000-08:00

The Great White Silence - Herbert G. Ponting

2011-12-13T10:15:00.000-08:00

With Robert Falcon Scott, Herbert G. Ponting.

Grabación restuarada (How did they do it?) por el BFI de la fatla expedición del Capitán Scott.

Música de la restaruación a cargo de Simon Fisher Turner.

Sukiyaki Western Django

2011-12-12T09:35:00.000-08:00

Una oda a la fusión y el descaro cinematográficos en la linea de "Ding-Dong Duelo".

In the Fall

2011-12-07T09:57:00.000-08:00

Rivers and Tides - Andy Goldsworthy

2011-11-27T15:47:00.000-08:00

Earth timelapse

2011-11-27T11:54:00.000-08:00

La isla de los ciegos al color

2011-11-27T09:59:00.000-08:00

Reseña del libro "La isla de los ciegos al color" de Oliver Sacks.

Aplicaciones fotográficas

2011-11-26T13:03:00.000-08:00

A continuacion Os pondre unas cuantas apps para el iphone utiles para un fotógrafo o un director de fotografía por ejemplo:

PhotoBuddy: Calculadora de Profundidad de Campo
Light Meter: Un Photometro en tu iphone
Sun Seeker: App de Realidad Aumentada que te muestra donde estara el Sol en el momento que tu quieras.
Artemis Director´s Viewfinder: Simula un visor de cine, para calcular las opticas y hacerse una idea en las localizaciones viene muy bien.

Estas son las que yo conozco, pero si vosotros sabeis mas, podeis ir añadiendolas a la lista.

Algunas son de pago, pero imagino que se podrán conseguir de estraperlo...

Perfect Resize - Noise Ninja - Photomatix

2011-11-25T09:25:00.000-08:00

Tutorial de Perfect Resize

http://www.youtube.com/watch?v=Nb5EbSVzaK4

torrent:

http://btjunkie.org/torrent/OnOne-Perfect-Resize-v7-Pro-incl-keygen-REDT/4358478e1e6aad62eac2f00ec665c7bbf1588ac6d7aa

Photomatix

http://photomatix-en.s3.amazonaws.com/PhotomatixPro4.1.1.zip

después es necesario buscar un serial, a mi no me costó, pero (error) no he guardado el lugar.

Noise Ninja

http://thepiratebay.org/torrent/4804903/Noise.Ninja.for.Photoshop.v2.3.2.MacOSX.Incl.Keymaker-CORE

con muchas carpetas y zips

Stephen Gill

2011-11-24T14:18:00.000-08:00

Y las fotos están aquí, en su portafolio.

Laboratorio Movol

2011-11-24T13:02:00.001-08:00

Laboratorio recomendado por Fernando Marcos:

http://www.movolcolor.com/

Nobuyoshi Araki

2011-11-22T14:55:00.000-08:00

Tremendo documental para profundizar en un (indiscutiblemente) creador de mundos:

Louis Daguerre

2011-11-18T03:25:00.000-08:00

El 18 de noviembre de 1787 nacía Louis Daguerre (Louis-Jacques-Mandé Daguerre), tras inventar los dioramas, su segundo invento fue el daguerrotipo, el primer procedimiento fotográfico dado a conocer públicamente, en el año 1839, en París.

August Sander

2011-11-13T16:43:00.000-08:00

Paseando por los archivos de August Sander - un hombre con la nada desdeñable intención de hacer un compendio sobre "El hombre del S.XX"- saltó a mi vista esta imagen:

Y la añadí a mi memoria fotográfica como la más antigua (hasta ahora) de una larga linea de versiones que he ido siguiendo de manera informal y casual. A la memoria me vienen el propio Sander con:

Los ultra famosos trabajos de Dianne Arbus:

Judith Joy Ross

Y tantos otros, y esto hace que me plantee dos (por lo menos) cuestiones:

-¿Por qué las versiones están perfectamente bien vistas en mundos como la música, la pintura o escultura, la literatura, el teatro, incluso el cine, pero no en la fotografía (al menos por el gran público)?

-¿Conoces más versiones de estas fotografías, u otras imagenes ampliamente versionadas?

Remember Avedon vs Mappelthorpe.

Jane Evelyn Atwood

Más info de Jane.

En mi busqueda de versiones una vez llegué a tener unas treinta y tantas de "Knocking on heavens door" de Bob Dylan (lástima que en el mundo virtual las posesiones sean tan fugaces).

David Hockney's Secret Knowledge

2011-11-10T15:57:00.000-08:00

Descargar documental completo.

Encounters at the End of the World - Werner Herzog

2011-11-09T15:48:00.000-08:00

Marcos Magalhaes - Animando

2011-11-09T13:14:00.000-08:00

Canal de Vimeo.

Compresion de video para Vimeo

2011-11-08T11:18:00.000-08:00

Dada la manifiesta complejidad y diversidad de opciones para compresión de video, dejo las recomendaciones que Vimeo da para diferentes programas.

http://vimeo.com/help/compression

Y un ejemplo de uso de Compressor.

ColourConfidence

2011-11-02T16:30:00.000-07:00

Página en la que encontrar todo tipo de artículos relacionados con el color en fotografía.

Colour Confidence.

DevalVR

2011-11-02T16:27:00.000-07:00

Programa con el que ver fotos panorámicas de 360º y otro tipo de rarezas.

DevalVR

Captura digital avanzada - Viñeteado

2011-11-02T12:36:00.000-07:00

Hay muchas formas de centrar la atención de manera "artificiosa" sobre un elemento que nos interese, composición, enfoque, profundidad de campo... Vamos a ver dos opciones de viñeteado:

-Viñeteado de contraste: ajustes de curva y disminuyo el contraste, recuperándolo en las zonas que me interesen.

-Viñeteado de luminosidad: capa de ajuste de niveles, disminuyo la luminosidad, recuperándola en las zonas que me interesen.

Lee Friedlander

2011-11-02T12:29:00.000-07:00

Un grande, desconocido hasta ahora para mi, que viendo las fotos que hay en Masters of Photography despacito, hace que todo parezca lógico y fácil.

Aquí la que más me ha gustado, la cual parece aunar todas sus características.

Captura digital avanzada - Retoque

2011-10-31T09:26:00.000-07:00

Es conveniente realizar primero los cambios estructurales: ojeras, mandíbula, granos... y luego los cambios estéticos: color, tono...

1º duplicar capa: siempre se deja una capa intacta debajo.

2º quitar granos: con la tirita (pincel corrector); promedia la luminancia; usar sin opacidad; dureza: suave crea un area de difusión o desenfoque en los bordes, medio (40-50-60), duro: se notan los bordes.

3ºigualar colores: duplicar última capa. Lo 1º averiguaremos el TONO DE PIEL: seleccionaremos una zona grande con la piel de la cara y haremos capa nueva (cmd+j), la seleccionaremos cmd+click sobre capa (si no seleccionamos cambia el tono), filtro/desenfoque/promediar así tenemos el tono de piel. Ahora pintaremos en modo: tono. *sirve para desmaquillar

4ºojeras, arrugas y cicatrices: con el parche en modo origen, seleccionas y arrastras a una zona similar pero sin manchas (por ejemplo para quitar ojeras) *con modo aclarar modifico zonas oscuras y conservo las claras y las texturas

5ºliquar: deseleccionamos las capas que no interventan (se puede hacer una capa resumen: cmd+may+alt+E), seleccionamos la zona a modificar de manera aproximada. Todo esto hará que el ordenador vaya más fluido. Usaremos las herramientas: empujar-reconstruir y congelar-descongelar. Usaremos pinceles muy grandes, densidad <15 presión <15 y daremos toques pequeños varias veces si es necesario. No agrandaremos nada aqui.

6ºpara agrandar seleccionando la zona la pasamos a una capa y transformada libre cmd+t (si presionamos alt al modificar nos mantiene el centro, luego perfeccionando los bordes).

7ºporos y pieles: filtro/desenfoque de superficie, sacar una máscara y pintar sobre las zonas a suavizar; duplico y una la pongo en modo aclarar (quita las sombras) ha de estar ENCIMA, y otra oscurecer debajo (orden importante); modificas la opacidad si es necesario; capa resumen; paso alto, desaturar, pasar a modo luz lineal-queda duro-bajo opacidad o modo superponer.

8ºrojez ocular: esponja modo desaturar con flujo bajo al 13%, quita rojez.
Con sobreexponer: <6% rango: sombras. Reduce las venas.
Dar luz al iris: selecionar los ojos; crear capa nueva con ellos; curvas se aclaran; con alt se clica entre las dos capas y se aplica sólo a los ojos.

9ºmaquillaje: selecciono los labios; capa nueva; modo multiplicar (modifico opacidad); para cambiar color capa tono.
para dar brillo a los labios: canales, ver que canal tiene más brillo, lo duplico; con curvas cmd+m se lo acentuo; cmd + click en la capa lo selecciono; clico RGB; pinto de blando en capa nueva vacía a baja opacidad.
sombra de ojos: selecciono zona, modo multiplicar; elegir color para pintar en una capa vacía a baja opacidad. Para sacar brillos: canales; duplicar; curva; cmd+click; pintar blanco.
linea del ojo: capa nueva; multiplicar; en negro y bajando la opacidad.
colorete: capa nueva; multiplicar; pintar con el color de los labios.
brillo en el pelo: capa de ajuste/curvas lo aclaras, pasas a modo luminosidad, sacas una máscara en negro y pintas sobre el pelo para dar brillo.

Captura digital avanzada - Blanco y Negro

2011-10-30T13:50:00.000-07:00

En la actualidad sólo existe un respaldo de PhaseOne que está dedicado exclusivamente a blanco y negro (Achromatic+). El resto están diseñados para captar el color (ver Mosaico Bayer), por lo que para conseguir imagenes en blanco y negro se nos presentan diferentes opciones (sólo vamos a ver algunas):

- desaturar: sólo deja la luminancia; en RAW marcamos la opción convertir en byn. Esta opción nos mete una curva de gamma automática que no podremos controlar.

- modo escala de grises: quedan imagenes planas que luego tendremos que tratar aumentando el contraste, también mete gamma por defecto.

- por canales: eliges uno, modo escala de grises, pierdes la información de los otros dos. Tienes tres versiones de la imagen, pero pierdes calidad.

- mezclador de canales: marcar monocromo. Poner a 100% el total. Desatura con negros profundos.

- ajustes/blanco y negro: es como el mezclador pero siempre va al 100%. Saca muchos halos y ruido.

Método recomendado:
-mezclador de canales: se hace una aproximación a la imagen, sin hacer que ningún canal RGB predomine mucho sobre el otro; queda una imagen plana pero con poco ruido. Se hace una capa de ajustes de niveles y (con alt pulsado) ajustamos para la zona que queramos hacer (por ejemplo el cielo) y sólo fijándonos en esa zona (el resto puede quemarse o subexponerse). Poneindo la máscara opaca y pintando sobre ella damos el nivel exacto a la zona exacta, también podemos jugar con opacidades. Haremos tantas capas de ajuste de niveles como "zonas de tapado" queramos (incluso se pueden hacer una sobre otra). Sin duda no es el método más complicado pero si el que nos permite más control para poder trabajar por zonas a voluntad.

*meter ruido tipo grano: cmd+may+alt+E: hace una capa resumen de las anteriores; desenfoque/ruido.
*meter ruido tipo grano: en capa vacía, rellenar de gris medio; filtro/ruido/añadir rudio/ marcar monocromo tipo gausiano; modo superponer; desenfoque gausiano; jugar con opacidad.

14 métodos en xataka.

Marquis - Henri Xhonneux

2011-10-30T13:46:00.000-07:00

Marquis 1/5 por edgarette

Serge Gainsbourg

2011-10-29T08:29:00.000-07:00

La persona.

La película.

The Invisible Man - James Whale

2011-10-29T06:06:00.000-07:00

Director: James Whale.
Intérpretes: Claude Rains, Gloria Stuart, Henry Travers, William Harrigan.

Wolfgang Laib

2011-10-27T12:48:00.000-07:00

http://www.speronewestwater.com/cgi-bin/iowa/artists/record.html?record=10

Chris Drury

2011-10-27T12:42:00.000-07:00

http://www.chrisdrury.co.uk/home.htm

Alfio Bonanno

2011-10-27T12:37:00.000-07:00

http://www.alfiobonanno.dk/

Captura digital avanzada - Curvas

2011-10-27T08:00:00.000-07:00

Las curvas son la representación de la variación de luminosidades de una toma.
Se puede aumentar el contraste de una imagen por:

-Niveles: es destructivo para la imagen, varía los extremos del histograma.
-Curvas: no destructivo ya que no mueve los extremos. Las curvas contienen los niveles a través de los tiradores de la parte baja en que aparece una gama de grises.

Para no variar los colores al variar el contraste: modo capa/Luminosidad (luminosity)

En muchas ocasiones conviene mantener el punto del "gris medio" y trabajarlo poco a poco, con muchos puntos para no crear cosas raras y hacer curvas suaves y naturales, moviendo los puntos seleccionados con las flechas del teclado ↑ y ↓.

Exposición EntreFotos

2011-10-26T10:59:00.000-07:00

Cuarenta artistas participan en este encuentro con la fotografía de autor. EntreFotos apuesta por fomentar la interacción entre el público y los autores, que explicarán su obra y venderán sus creaciones sin la intervención de ningún intermediario. Se exponen obras al alcance de todos los bolsillos.
La primera edición de entreFotos se realizó en un estudio con 14 participantes, entre los años 2004 y 2010.

http://www.entrefotos.net/

Manual Photoshop bilingue Español-Inglés

2011-10-26T08:18:00.001-07:00

Manual de Photoshop Español-Inglés.

Captura digital avanzada - Aumento de Rango Dinámico

2011-10-26T06:29:00.000-07:00

Existe una relación directa entre el tamaño físico de los píxeles del sensor y el rango dinámico (en esta linea trabajó mucho Fuji con los superCCD con píxeles octogonales o dos cristales captadores por píxel). Para aumentar el RD en el procesado digital tenemos varios procedimientos:

-Multirevelado: abriremos un objeto inteligente revelado para las sombras, botón drch. en la capa de la imagen: "nuevo objeto inteligente mediante copia" crearemos, por ejemplo, tres capas y cada una de ellas las revelaremos para una zona (sombras, tonos medios y altas luces). Seleccionaremos las tres y convertiremos a un solo objeto inteligente: capa/obj. intel./modo de apilamiento/promedio (layers/smart object/stack mode/mean). El resultado será una imagen plana sin contraste que habremos de trabajar mediante una capa de ajuste de curvas. Este método, al contrario del siguiente, no nos elimina el ruido.

-Multitoma: realizaremos varias tomas a diferentes valores de exposición jugando con la velocidad de obturación (si lo hacemos con el nºf cambiamos la profundidad de campo, y si lo hacemos con el ASA (no ISO (International Standard Office), que no viene en las cámaras digitales, el sistema ISO, es en realidad la fusión de los sistemas ASA (American Standard Asociation) (hoy ANSI) y DIN (Deutsche Industrie Normen) ) aumentaremos el ruido). No tendremos el autofocus puesto como norma general, ni el autoWB, usaremos trípode y no cambiaremos en nºf (y las realizaremos en JPEG si usamos el Photoshop merge to HDR ya que se realiza a partir de los metadatos). De manera más "manual" abriremos como capas las tomas, capas convertir a objeto inteligente; después capa/modo de apilamiento/promedio (mean). En Photochop de manera automática podemos usar merge to HDR usaremos archivos de 16bits y en curvas "adaptación local". Este método hace que el ruido se reduzca (ya que este es aleatorio como ya vimos en RUIDO Y REDUCCION DE RUIDO).

*programa específico para HDR: Photomatix.
*truco para eliminar objetos: realizar multiexposición, objeto inteligente/modo apilamiento/mediana (de esta manera podemos dejar desierta una zona en que pase relativamente poca gente).

Wooden Mirror - Daniel Rozin

2011-10-22T15:47:00.000-07:00

Der Lauf der Dinge - Peter Fischli und David Weiss

2011-10-19T15:45:00.000-07:00

Captura digital avanzada - Ruido y Reducción de Ruido

2011-10-19T14:32:00.000-07:00

Uno de los caballos de batalla de los fabricantes es el ruido y su eliminación. El ruido está provocado por las fugas eléctricas del cableado a los píxeles y su señal. El nivel de umbral de ruido es aquel en que el nº de electrones fugados es igual al nº de electrones generados por la exposición. Los factores que más intervienen en la generación del ruido son:

Amlificación de la señal: La sensibilidad de nuestro sensor digital es una y sólo una (al contrario de las películas) y se llama sensibilidad nominal (muy habitualmente la más baja, aunque algunas cámaras tienen una inferior que atenúa la señal). El aumento del ISO lo que lleva a cabo es una amplificación de la señal eléctrica de manera análoga a las cámaras de video. El problema es que el aumento de la señal conlleva el aumento del ruido, este aumento es geométrico y en zonas de pocos electrones generados por la exposición el ruido toma una magnitud muy superior a estos.

ee-------------------------------ee ee--------------------------------ee ee ee ee
rrrrrr------------------------rrrrrrrrrrrr-------------------rrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrr

donde "e" es señal y "r" es ruido.

Calidad del sensor: factor que no necesita mucha explicación, aislamiento de circuitos, de píxeles... repercute directamente sobre el precio de las cámaras (a veces no sabemos por qué dos cámaras aparentemente iguales tienen tan diferente precio...)
Tamaño del píxel: a > píxel más fotones inciden en él luego mayor es el nº de electrones generados de manera real, luego el % de electrones reales aumenta. En ciertos modelos de cámaras (Nikon por ejemplo) se sacrifican nº de píxeles (a fin de cuentas cuantas veces ampliamos a 1x1 m) por aumentar su tamaño, lo que repercute en la calidad (hay vida más allá de la guerra del megapíxel).
Tipo de sensor: aunque en la actualidad se está uniformando el cmos conviene saber que:
ccd: son de silicio, entre un 65-85% del sensor es cristal de silicio, la descarga se hace línea de píxeles por línea de píxeles por lo que son más lentos gastan más batería y son más caros, pero dan menos ruido (respaldos de formato medio).
cmos (complementary metal oxid system): 45% máx. es cristal de óxidos complementarios, en cada pixel hay un amplificador y un conversor analógico-digital (CAD), es más barato, rápido, consume menos, da menor calidad y mayor ruido (pero son los que más se desarrollan).
foveon: un sistema (inicialmente independiente y absorbido por Sigma) que monta 3cmos, multiplica el ruido y los costes x3, se compensa reduciendo el nº de píxeles.

Calor: al aumentar el calor aumenta la conductividad eléctrica lo que facilita las fugas y por tanto aumenta el ruido. Las cámaras de alta gama incorporan ventiladores internos.

Tiempo de exposición: aumentan el calor y el tiempo que están fugando los electrones. En largas exposiciones pueden desbordarse algunos píxeles y aparecer "fireworks", existen en las opciones filtros de reducción de ruido de largas exposiciones:
-realiza un mapeo por proximidad y elimina lo que cree artefacto e interpola.
-cámaras de alta gama continuan leyendo unos segundos el sensor una vez cerrado el obturador, los píxeles que siguen emitiendo son artefactos y se elimina ("mi cámara tarda 32 seg en hacer la exposición de 30 seg" puede ser por esto...).

Ej. de ruido (no tiene "fireworks" a pesar de que es una foto de fireworks).

REDUCCIÓN DEL RUIDO

Los filtros se basan en el desenfoque en las zonas de sombras intentando mantener el contraste en las zonas de altas luces.
Filtro "reducción de ruido" en Ph:
ruido de luminosidad: tirador de intensidad (actua sobre sombras), tirador conservar detalle (actua sobre altas luces conservándolas).
ruido de color: color y detalle (de forma análoga).
*da la opción de "quitar efecto jpeg (compresión en grupos de 64 píxeles interpolados que ya vimos)
Método Lab: en el canal L* desenfoque de superficie (nos mantiene contraste); en los a*b* desenfoque de superficie leve (si nos pasamos, obtenemos efecto plasticoso "Pamela Chu").

En Raw ya están separados los canales en L*a*b* por lo que es conveniente hacerlo aquí.
Multiexposiciones: si hacemos múltiples exposiciones de una toma que sabemos tendrá ruido, al ser este constante pero aleatorio, abrimos todas ellas en capas, las alineamos y las unimos como un solo objeto inteligente; después capa/objetos inteligentes/modo de apilamiento/mediana (sólo en Ph extended, disponible en tu tienda habitual).

Alec Soth

2011-10-19T13:51:00.000-07:00

Retratos con entrevista en una de las zonas con mayor tasa de desempleo de los USA: Rockford, Ill..

Visiona la serie aqui.

Captura digital avanzada - Enfoque

2011-10-17T09:00:00.000-07:00

Enfoque:

Todos los métodos de enfoque se basan en el aumento del contraste a nivel más o menos local, por lo que varían el color (conviene realizarlos en modo luminosidad en una capa nueva).
En Photochof:

Máscara de enfoque: Filtro/Máscara de enfoque. Conviene ir fijando parámetros uno por uno, seleccionada la cantidad se pone un radio y se regula con el umbral.
Cantidad 100% (dobla el contraste).
Radio: nº de píxeles al que afecta.
Umbral: Contraste que tiene que haber originariamente para que se aplique el filtro.
Pasar a modo luminosidad o aplicar en el canal L* del modo Lab.

Paso alto: Filtro/otros/paso alto;determinas radio; aplicas desaturar (cmnd+may+U); modo de capa: superponer:
enfoque medio
luz suave: enfoquesuave...
luz lineal: enfoque duro.
Enfoque selectivo por canales: para las pieles conviene usar el canal rojo. Cmnd+click en el canal se selecciona ese canal; aplicar máscara de enfoque.
Hallar bordes: triplicar imagen; filtro/estilizar/hallar bordes; desaturar; invertir; desenfoque gaussiano <0,5; seleccionar canal cmd+click; tiras capa y te quedas con selección; en la otra aplicas máscara de enfoque.

A cualquiera de ellos podríamos sacarle una máscara de capa y "pintar" donde no nos interesase tener el enfoque, o jugar con la opacidad total de la capa.

Captura digital avanzada - Revelado RAW

2011-10-17T07:49:00.000-07:00

Orden posible (y aproximado) de acciones a realizar:

1. Reencuadre.
2. Tamaño (lo suyo sería hacerlo aqui pero debido a que una misma imagen puede tener distintas salidas a distintos tamaños y que implica interpolación, nos da mayor tamaño de archivo, por tanto tiempo de cálculos, se suele hacer al final).
3. Equilibrio de blancos.
4. Aplicación del perfil de la cámara.
5. Exposición: posiciona el histograma (si pulsamos alt vemos las luces que se queman).
6. Contraste: no varía los extremos del histograma.
Brillo: se modificaría mejor por curvas.
7. Claridad: aumenta el contraste de los bordes dando efecto de enfoque.
Saturación:
8. Aberraciones cromáticas: mediante el perfil de la cámara o manualmente (en J.P.E.G. lo hace el procesador).
9. Enfoque: no en el RAW.
10. Ruido: en RAW o a través de plug-in (NoiseNinja).

Consideraciones de HugoRodriguez para un Revelado Raw perfecto.

A continuación veremos consideraciones de algunos de estos temas.

Tamaño de impresión: se determina con la diagonal. Un aumento de tamaño implica una interpolación (llamada remuestreo en Photochop). La interpolación implica pérdida de calidad en color y nitidez, por tanto es deseable evitarlo en cierta medida. Sin embargo si la llevamos acabo de manera correcta puede ser una herramienta poderosa (al girar las imagenes se produce un remuestreo, ¡ya que no existen pixeles romboédricos!, por tanto conviene tomarse 2 segundos en enderezar la cámara, usar trípode o tener un nivel).

Métodos de interpolación: -por aproximación: copia un pixel de los alrededores, válido para figuras geométricas (gráficos estadísticos).
-Bilineal: se fija en 4píxeles: superior, inferior, izq y drch.
-Bicúbico: se fija en los 8 píxeles que lo rodean, e incluso en la segunda linea. Existen tres modos: normal, suavizado para ampliaciones grandes >200% (aumenta el contraste) y enfocado para reducciones grandes (reduce el contraste).

Los métodos de interpolación están continuamente evolucionando y mejorando. La mejor manera de redimensionar nuestra imagen consiste en hacerlo en proporción de tamaños fractálicos, es decir, multiplicar por un coeficiente fijo(x1/2, x2...); si dos pixeles los queremos convertir en 4, se interpolará de manera muy precisa, si los queremos convertir en 3 perderá más calidad.

Existen programas para realizar el cálculo fractálico como plug-in: Genunie Fractals (ahora Perfect Resize).

Para cambiar la perspectiva de nuestras imagenes (interpolando) en la herramienta recorte (crop) seleccionamos la opcion perspectiva y arrastramos los tiradores de las esquinas.

Fuente: Jorge Salgado.

Captura digital avanzada - Formatos de Captura

2011-10-17T07:14:00.000-07:00

Conviene hacer una puntualización sobre los formatos de captura de las cámaras ya que, por ejemplo, muchas veces se oye de la conveniencia del uso del T.I.F.F. o algunos tenemos errores de matiz:

J.P.E.G.(.jpg ó .JPG): es un formato procesado (con su espacio de color, equilibrio de blanco, nitidez, etc... listo para impresión), comprimido por pérdida, de 8bits de profundidad de color. Se crean grupos de 64 píxeles de los que se toman muestras (más o menos dependiendo del grado de compresión L 50pixeles, M 30, S10 aprox.) para después reconstruir el color por interpolación.

T.I.F.F.(.tif ó .TIF): también es un formato procesado, tiene mayor tamaño ya que lleva la información de color de los tres canales, no lleva compresión. No confundirlo con el .tif de edición, que es muy conveniente ya que es de gran versatilidad.

R.A.W: es un archivo que contiene: datos de luminosidad, datos de codificación del sensor y datos de procesado (para las previsualizaciones tipo JPEG de la imagen y el histograma en cámara y navegadores de computadores).
Los datos de codificación del sensor son datos fundamentales para interpretar correctamente las imagenes, y sólo los poseen los fabricantes que lo ponen en sus programas de revelado de RAW experto o de pago (y según parece CRcs5 dado la posición de poder de Adobe). Por tanto, a no ser que usemos un buen revelador de RAW (CaptureOne, Bibble...), es posible que la nitidez y otros parámetros de un JPG de cámara sea más preciso que un RAW mal revelado.

Fuente: Jorge Salgado.

Luego no digáis que se nota el pixel...

dennis oppenheim

2011-10-16T15:47:00.001-07:00

Oppenheim nació en Washington (EE. UU.) en 1938 y se formó en la Escuela de Artes y Oficios de California. En 1966 se trasladó aNueva York, donde residió y trabajó hasta su muerte, a los 72 años de edad, a consecuencia de un cáncer hepático.³

Tras entrar en contacto con las generaciones de artistas más importantes del siglo XX, se convirtió en uno de los precursores del arte conceptual, siendo pionero como artista deperformances.

Su reconocimiento público llegó a finales de la década 60 como representante, junto con otros artistas, del movimiento Land Art.

Fue uno de los artistas contemporáneos de primera magnitud en el panorama internacional. La obra de Oppenheim está presente en más de 70 de los principales museos, colecciones y espacios públicos de todo el mundo.

En España, sus obras pudieron verse en el Museo Reina Sofía de Madrid en el año 2005 y también a través de una retrospectiva organizada por el Museo-Fundación Cristóbal Gabarrón en Valladolid en 2004, la cual viajó posteriormente al Círculo de Bellas Artes de Madrid y a otras ciudades.⁴

Asimismo, tiene obras públicas permanentes en tres localidades españolas: Stage Set for a Film (Decorado para una Película), instalada en el Paseo de Zorrilla de Valladolid en 1998, Crystal Garden (Jardín de Cristal),⁵ inaugurada en el municipio madrileño de Navalcarnero en febrero de 2007 y Device to Root out Evil,⁶ instalada en la ciudad de Palma de Mallorca en 1997 y que es una réplica de la realizada en 1966 en Venecia por el mismo autor.

Siah Armajani

2011-10-16T15:32:00.000-07:00

Siah Armanjani fue el diseñador de la antorcha olímpica que presidió sobre los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996, Georgia, Estados Unidos. Había trabajado en otros proyectos como el puente y la torre New York de Staten Island , la Round Gazebo en Niza, Francia, y el Irene Hixon Whitney Bridge en Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos.

Su trabajo de 2005 , Fallujah, está basada en la obra del Guernica de Picasso pero fue censurada en los Estados Unidos por su visión crítica frente a la guerra de Iraq.¹ ² Uno de los proyectos importantes de Armajani está localizado en North Shore Esplanade en la Terminal de Ferrys de St. George, Staten Island, NY

Miroslav Tichy

2011-10-15T03:13:00.000-07:00

Una pregunta que es repetida a la mayoría de fotógrafos del mundo es: "¿Qué cámara usas?"; y es normal, todos sabemos que el estado de creación artística sólo puede ser alcanzado cuando tenemos entre nuestras manos una herramienta de altísima calidad y aún mayor precio, puesto que los fotógrafos no son más que meros medios mecánicos que aprietan un botón (últimamente estamos expuestos a la desaparición tras la invención de disparadores automáticos, ordenadores...)

Un ejemplo de esto lo vemos en Miroslav Tichy, un hombre con una percepción privilegiada de la feminidad.

Más sobre Miroslav Tichy.
Más fotos de Miroslav Tichy.

joseph kosuth

2011-10-14T16:47:00.000-07:00

Nacido en Toledo (Ohio) en 1945. Estudia en Toledo (1965) y completa su formación en la School of Visual Arts de Nueva York. Pronto se convierte en importante líder del arte conceptual, llegando al rechazo absoluto de cualquier tipo de producción de obras, debido a su carácter ornamental. Sus ideas quedan recogidas en el ensayo Art after Philosophy (Studio international, 1969), en el que cita a Duchamp y sus “ready – mades” como verdaderos creadores de la revolución artística, en cuanto paso de la apariencia al concepto. Enuncia el principio de que una obra de arte es una tautología, llegando a expresar que “el arte es, de hecho, la definición del arte”. Aborda el tema artístico como un problemafilosófico y lingüístico, lo que le acerca al Art and Language Group. Formado básicamente en el campo artístico, también llevó a cabo estudios de filosofía y antropología. Su trayectoria demuestra su conocimiento y afinidad con los métodos de investigación propuestos por los filósofos del lenguaje L. Wittgenstein y A. J. Ayer. La obra de 1969 Art after Philosophy es su principal manifiesto y el lugar donde desarrolla la base teórica de sus obras. Sus creaciones más conocidas llevan por título Investigaciones (por Wittgenstein) y consisten en dispositivos que examinan y reclasifican realidades mediante el uso del texto, cuya función es explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización.

william blake

2011-10-14T16:41:00.000-07:00

William Blake (Londres (Inglaterra); 28 de noviembre de 1757 – Ibídem; 12 de agosto de 1827) fue un poeta, pintor, grabador ymístico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido».¹

Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake no habían sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacerse éstas más accesibles.²

louise bourgeois

2011-10-14T16:38:00.000-07:00

Los padres de Louise Josephine Bourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y a completarlos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.

Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.

En 2008 le fue entregada la condecoración de la Legión de Honor del gobierno francés.

Bourgeois falleció en Nueva York a los 98 años de edad.¹

Tuvo tres hijos: Alain, Jean Louis y Michel, fallecido en 1990.

gunther von hagens

2011-10-14T16:31:00.000-07:00

Gunther Von Hagens (nacido Gunther Gerhard Liebchen) es un autoproclamado artista y científico alemán nacido el 10 de enero de 1945en Alt-Skalden, cerca de Kalisz (Polonia), entonces parte de Alemania.

A los 17 años fue miembro del Partido Comunista de la otrora República Democrática Alemana hasta su encarcelación por participar en las protestas de 1968. Tres años antes, estudió Medicina en la Universidad de Jena. Posteriormente emigró como refugiado a laRepública Federal Alemana, en Heidelberg para luego continuar con sus estudios médicos.

Para 1977 asume como colaborador científico del Instituto de Anatomía y Biología de esta ciudad, allí en su estancia se pone hacer experimentos químicos para luego llegar a crear el proceso de Plastinación, en la cual se extrae el agua de un cuerpo por acetona fría y luego se sustituye por una solución plástica endurecible. Para ese proceso requirió estudios muy complejos hasta llegar a plastinar su primer cuerpo humano en 1990.

En 1993, crea el Instituto de Plastinación de Heidelberg y trece años antes, la empresa BIODUR, esta última, para la creación y distribución de aparatos concebidos para la plastinación. Sus cuerpos preparados con este método causan asombro y polémica en el mundo de hoy. Dio numerosas giras por algunos países del mundo dando a conocer la plastinación. Actualmente construye el Plastination City en Dalian, China.^{[cita requerida]}

Su trabajo constituye un discutible aporte al arte y a la medicina, al dar a conocer el cuerpo humano presuntamente como es, sensibilizando a los interesados en observar su labor, una mejor comprensión de la salud y la anatomía. También plastinó animales comoperros y algunos mamíferos marinos. Pero no es el único en que ilustra el cuerpo: Leonardo da Vinci y Andrés Vesalio y otros científicos dieron sus aportes y conocimientos de la anatomía humana a través de la historia científica de la humanidad. Por eso Von Hagens desea que su trabajo sea valorado por todos sin que cause repulsión al conocer como es el cuerpo. Hasta ahora más de veinticincinco millones de personas han visto sus trabajos de exposición.

Marina Abramovic

2011-10-13T02:05:00.000-07:00

Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

El abuelo de Marina Abramović fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Tras su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava en Belgrado. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial: su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado.

El padre de Abramović abandonó a la familia en 1964.

Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario.

En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam.

Ritmo 10, 1973

En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.

Después de cortarse veinte veces, reproducía la cinta, escuchaba los sonidos y trataba de repetir los mismos movimientos y errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del artista.

[editar]Ritmo 5, 1974

En esta performance, Abramović intentó reevocar la energía del dolor corporal extremo, en este caso usando un gran estrella mojada en petróleo, la cual es encendida al comienzo de la actuación. Parada fuera de la estrella, Abramović corta sus uñas, las de los pies y su cabello. Cuando termina con todo, lanza los recortes a las llamas haciendo cada vez un estallido de luces.

En el acto final de purificación, Abramović saltó al centro de las llamas, cayendo en el centro de la estrella. Debido a la luz y el humo del fuego, el público no notó esto, y la artista perdió el conocimiento por la falta de aire. Algunas personas de la audiencia se dieron cuenta de lo ocurrido sólo cuando el fuego se acercó demasiado al cuerpo que permanecía inerte. Un doctor y varios miembros de la audiencia intervinieron y la sacaron.

[editar]Ritmo 2, 1974

Como una experimento para probar si un estado de inconsciencia puede ser incorporado en una performance, Abramović desarrolló una en dos partes.

En la primera parte, ella tomó una píldora que se utiliza para la catatonia. Estando completamente sano, el cuerpo de Abramović reaccionó violentamente a la droga, experimentando ataques y movimientos involuntarios. Mientras perdía el control de los movimientos de su cuerpo, su mente estaba lúcida y observaba todo lo que ocurría.

Diez minutos después que los efectos de la droga pasaran, Abramović tomó otra píldora (utilizada por personas depresivas y violentas) la cual da como resultado una inmovilización general. Físicamente ella se encontraba presente, pero mentalmente no. Este proyecto fue uno de los primeros componentes de sus exploraciones de la conexión entre cuerpo y mente, exploraciones que más tarde la llevaron al Tíbet y al desierto de Australia.

[editar]Ritmo 0, 1974

Para probar los límites de la relación entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus performances mas exigentes (y la más conocida). En ella adoptaba un rol pasivo, mientras el público la forzaba a realizar la actuación.

Colocó sobre una mesa 72 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos eligieran. Algunos de estos objetos podían dar placer, mientras otros podían infligir dolor o incluso dañarla. Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y una bala. Durante seis horas la artista permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo y sus acciones.

Inicialmente, la audiencia reaccionó con precaución y pudor, pero a medida que pasaba el tiempo (y la artista permanecía impasible) mucha gente empezó a actuar muy agresivamente.

Beautiful Losers

2011-10-12T12:45:00.000-07:00

Documental en Tudou.com

Cindy Sherman

2011-10-12T11:27:00.000-07:00

Es conocida sobre todo por sus autorretratos conceptuales, Complete Untitled Film Stills (1977-1980),¹ en los que se cambia su ropa y su aspecto para dar a las fotografías apariencia cinematográfica usando estética y planos propios del Cine negro.

ernest Friedrich

2011-10-12T11:23:00.001-07:00

francesc torres

2011-10-12T11:20:00.001-07:00

Alfredo Jaar

2011-10-12T11:14:00.000-07:00

Alfredo Jaar (n. Santiago de Chile, 5 de febrero de 1956) es un artista, arquitecto y cineasta chileno contemporáneo. En su juventud estudió dirección de cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura en 1979, y arquitectura en la Universidad de Chile, hasta 1981, siendo este período sus inicios en la producción plástica y en donde ya se hace conocido en el circuito artístico chileno con obras como Estudios sobre la Felicidad (1979-1981).

Terminado sus estudios de arquitectura, se fue a vivir a Nueva York en 1982. En esa ciudad continuó haciendo arte, alcanzando fama mundial cuando expone en la Bienal de Veneciade 1986 Gold in the Morning, una serie de fotografías de mineros tomadas en una visita prolongada a una mina de oro de gran profundidad en Serra Pelada, Brasil, en 1985. La extrema dureza del trabajo le muestra el abismo existente entre el mundo subdesarrollado y las economías emergentes.

Sin embargo, su trabajo más afamado es su prolífica serie de obras agrupadas en el Proyecto Ruanda (1994-2000),¹ obras que reflexionan sobre el genocidio ocurrido en Ruanda en1994 y las implicaciones que tiene un desastre como éste en el campo de la representación.

Una de sus obras más conocidas es El Lamento de las Imágenes, instalación con la que participa de la documenta 11, consistente en un oscuro pasillo en donde instala al principio tres textos alusivos al tema de la administración de las imágenes, y al final del pasillo una sala con una pantalla que emite una luz blanca.

Su arte de crítica ha sido expuesto en una gran cantidad de museos, entre ellos el Moderna Museet de Stockholm (1994), el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (1992), el Museum of Contemporary Art de Chicago (1992), o la Sala de Arte de la Fundación Telefónica en Santiago de Chile (2006). Además es reconocido por intervenir el espacio público, habiendo producido conocidas obras en grandes ciudades alrededor del mundo, como Luces en la Ciudad (1999) obra montada en Montreal, en donde conectaba unos 100.000 wattsde luces rojas instaladas en la cúpula de un edificio visible desde buena parte de la ciudad a un interruptor instalado en varios albergues para sin-casas, donde cada persona que entraba y accionaba el interruptor encendía las luces por algunos segundos. Otra obra de estas características es The Skoghall Konsthall (2000) en la ciudad de Skoghall en Suecia, en donde construye un museo de papel donde invita a jóvenes artistas locales a exponer para, 24 horas después de inaugurada la muestra, incendiar el museo.

Ron Mueck

2011-10-12T11:11:00.000-07:00

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas comoLabyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Juan Muñoz

2011-10-12T11:07:00.000-07:00

Fue el segundo de una familia de siete hermanos. En la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el Croydon College y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York con una beca. Tuvo su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces expuso sus trabajos frecuentemente en Europa y otras partes del mundo.

A comienzos de años 1990, Juan Muñoz comenzó a producir obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural en interacción mutua distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Sus figuras monocromáticas, gris plomo o colorcera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda.

Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y finalmente bronce.

Además de en la escultura, Muñoz se interesó en la creación de carácter auditivo, produciendo algunos trabajos para radio. Uno de sus trabajos más reconocidos en este medio fue el que realizó junto con el compositor británico Gavin Bryars a principios de los años 1980, llamado A Man in a Room, Gambling (un hombre en una habitación, apostando), el cual constaba de Muñoz describiendo trucos de naipes acompañado por una composición de Bryars. Las piezas, diez segmentos de no más de cinco minutos, fueron emitidas por la cadena de radio Radio 3 de la BBC.

En una programa de radio inédito (Third Ear, 1992), Juan Muñoz planteaba que existían dos cosas imposibles de representar: el presente y la muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia.

Se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2000.

Juan Muñoz falleció súbitamente de un paro cardíaco provocado por un aneurisma de esófago y una hemorragia interna a los 48 años de edad veraneando en Santa Eulalia del Río,Ibiza, el 28 de agosto de 2001. Al momento de su muerte se encontraba en exposición su obra Double Bind en el museo Tate Modern de Londres.

jaume plensa

2011-10-12T11:04:00.001-07:00

En una primera etapa, su obra refleja el interés por cuestiones relacionadas con el volumen, el espacio y la tensión.

En 1983-1984 empieza a moldear el hierro con la técnica de la fundición y desarrolla un concepto escultórico de formas zoomórficas utilizando cortes y dobleces. En 1986 empezó a trabajar con hierro fundido, y luego utilizó cristal, resina, lucesy sonidos.

Desde 1996 se ha dedicado también a crear elementos y decorados para montajes de ópera y teatro, principalmente en colaboración con la compañía La Fura dels Baus.

También se destaca como dibujante y grabador.

patricia piccinini

2011-10-12T10:58:00.000-07:00

Patricia Piccinini (born in 1965 in Freetown, Sierra Leone) is an Australian artist and hyperrealist sculptor. Her art work came to prominence in Australia in the late 1990s. In 2003 she was selected as the artist to represent Australia at the Venice Biennale.

Orlan

2011-10-12T10:54:00.000-07:00

Mireille Suzanne Francette Porte, better known as ORLAN, is a French artist, born May 30, 1947 in Saint-Étienne, Loire.^[1] She lives and works in Los Angeles, New York, andParis. She was invited to be a scholar in residence at the Getty Research Institute in Los Angeles, for the 2006-2007 academic year.^[2] She sits on the board of administrators for the Palais de Tokyo in Paris, and is a professor at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Cergy.

Although ORLAN is best known for her work with plastic surgery in the early to mid nineties, she has not limited her work to a particular medium.

Gestión de Color III

2011-10-10T10:48:00.000-07:00

Perfila la cámara:

Como ya hemos visto, para tener una representación fiel del color, deberíamos poder asignar a nuestros RAW el perfil de la cámara. Para ello necesitamos una carta de color, en caso de programas que usen perfiles estandar ICC usaremos la IT-8. Para programas de Adobe la ColorChecker.

IT-8
ColorChecker

A dia de hoy, tan sólo dos programas (uno de Adobe y otro de X-Rite) pueden crear este tipo de perfiles y únicamente a partir de la carta Colorchecker, insuficiente para crear perfiles de alta calidad, debido a sus escasos 24 parches de color (cualquier IT8 tiene, al menos, 252). Por ello, usar perfiles DCP es una solución aceptable para muchos fotógrafos, pero no para el que quiere o necesita una calidad realmente alta, apta para reproducciones muy fieles.

De la misma forma habría que perfilar el escaner y la impresora para cada tipo de papel y tipo de tintas. Los laboratorios profesionales te suministran sus perfiles.

Fuente: Hugo Rodriguez.

Crear perfil de cámara para CR y Lightroom.

Sol LeWitt

2011-10-08T09:35:00.000-07:00

Gestión de Color II

2011-10-07T16:12:00.000-07:00

Operaciones con perfiles de color:

Se pueden realizar dos operaciones básicas:

1- Asignar: describe de manera absoluta los valores del pixel; se pasa de un valor RGB relativo a uno L*a*b* absoluto. Los colores cambian, los valores RGB (y por tanto el histograma) no varían. Se asigna sólo una vez, al principio del proceso (en Raw no vienen, en Jpg si). En Ph: Edición > Asignar perfil.

Para ello es necesario el perfil del dispositivo de captura de imagen (cámara, escaner...) el cual no es suministrado por el fabricante, y además puede cambiar dentro de cámaras del mismo modelo debido a la vida de los sensores. Para ello es necesario perfilar el dispositivo con una carta de color y realizarlo en las diferentes condiciones de luz posible (uno para cada iluminante: sol, flash, tungsteno, cada fluorescente...)

2- Convertir: al convertir los valores numéricos de los píxeles de un espacio a otro, se modifican los RGB (y por tanto el histograma) para MANTENER EL COLOR. Si el espacio de color de destino no es menor, no habrá cambios, si es menor, es importante el "renderin intent" (marcada la opción compensación de punto negro):

-Perceptual: reduce todo por igual manteniendo la relación entre colores, por tanto: mantiene degradaciones pero pierdes saturación en toda la imagen. Suele convenir para impresión (cuestión de pruebas y gustos).

-Relativa colorimétrica: sólo modifica los valores que quedan fuera del nuevo espacio de color, por tanto no mantiene los degradados (puede crear masas de un solo color en impresión) y conserva más los colores reales (reproducciones).

Fuente: Hugo Rodríguez.

Gestión de Color y calibración con Lightroom 2.0.

Georg Baselitz and his notion of “bad painting”

2011-10-07T16:00:00.000-07:00

terence koh

2011-10-07T15:00:00.000-07:00

Pere y Josep Santilari

2011-10-07T14:58:00.001-07:00

pere y josep santilari

2011-10-07T14:54:00.000-07:00

felix vallotton

2011-10-07T14:51:00.000-07:00

samuel van hoogstraten

2011-10-07T14:49:00.000-07:00

james turrell

2011-10-07T14:43:00.000-07:00